Revista 4'33''

Appalachian Spring: la alteridad negada

Augusto Monk — 2022-09-26

En 1958, Martha Graham realiza la versión video-gráfica de Appalachian Spring, un ballet cuyo argumento retrata el casamiento de una pareja de pioneros norteamericanos en los montes Apalaches a principios del siglo XIX. A través de un número de decisiones estéticas, la obra da cuenta de una construcción de la ruralidad muy delineada. En este trabajo, realizo un análisis semiótico de esa ruralidad utilizando las definiciones de género y estilo de Steinberg, los conceptos de intertextualidad y architextualidad de Genette, el modelo de la semiosis de Peirce, las nociones de condiciones de producción propuestas por Verón, y la teoría del universo del discurso elaborada por Kerbrat-Orecchioni. Este análisis encuentra en la obra de Graham una construcción de una ruralidad étnica e idiosincráticamente homogénea, caucásica, eurocéntrica y cristiana.

El modo dórico en la música de Gustavo “Cuchi” Leguizamón

Santiago Roger Godoy — 2022-09-26

En este trabajo expondremos en toda su extensión (en cada pieza donde aparezca) la presencia del modo dórico en la obra de Gustavo "Cuchi" Leguizamón y analizaremos en profundidad las singularidades de cada caso. A su vez, en este recorrido iremos cotejando lo encontrado con los usos que del modo se han hecho al interior del folclore argentino, en el periodo de la práctica común y en las estéticas compositivas de las músicas académicas contemporáneas.

Sobre Vestigios, por el Ensamble Música Poética

Pablo Gianera — 2022-09-26

Vestigios. Ensamble Música Poética: Gabriel Pérsico (flautas), Joëlle Perdaens (violín barroco), María Jesús Olóndriz (violoncello barroco), María de Lourdes Cutolo (clavecín, espineta), Sebastián Strauchler (tiorba).

Ensamble de flautas traveseras barrocas: Gabriel Pérsico (1 a 4 y dirección), Gabriela Galván (1 a 4), Elizabeth Magazián, Carlos Polizzotto, Daniela Bonfanti, Matías Espinosa, Aníbal Domínguez (4)

Obras de: Joseph-Bodin de Boismortier, Mario Allende, Luis Mucillo y Jean-Féry Rebel.

PRODAMus (UNA)

2022

A ênfase harmônica em detrimento do contraponto gerado pelos instrumentos de cordas dedilhadas

Alexandre Ribeiro — 2022-09-26

Com o passar do tempo, outro viés histórico vem surgindo sobre a superfície dos limites Renascimento/ Barroco, um viés que fala da importância do papel desempenhado pelas cordas dedilhadas na história da música, que por sua vez desprende-se desses limites estilísticos. Esse viés historiográfico vem sendo trazido à baila, com maior propriedade, principalmente por aqueles que estão em contato direto com esses instrumentos, em seu sentido prático, mas também por autores como Christensen (1992) que, mesmo não atuando como instrumentista, debruça-se sobre esses instrumentos. Nesse mesmo caminho procuramos trazer uma parte dessa história vista a partir das limitações instrumentais, seja comentando alguns autores ou analisando o próprio repertório de época, o que possibilita não só outra leitura do tempo histórico, como também das personagens protagonizadas pelas cordas dedilhadas. Ir para além das limitações datadas de 1600, 1750, entre outros, é perceber que a história se constitui como elemento vivo.

Índice y Editorial

Gabriel Pérsico — 2022-09-26

Estudos de retórica musical do século XVIII: um levantamento das traduções de fontes primárias no Brasil

Luciana Gifoni — 2022-09-26

A tradução de fontes primárias para a língua portuguesa tem proporcionado, ao meio artístico e acadêmico brasileiro, novas linhas de pensamento tanto para a performance historicamente orientada quanto para a musicologia. Este artigo busca evidenciar os estudos produzidos no Brasil, que fornecem traduções de tratados e outros textos setecentistas que abordam questões de retórica musical. Com um método exploratório, realizou-se um levantamento da literatura de fontes primárias disponíveis em português, buscando publicações em bases de dados digitais - repositórios de teses e dissertações -, revistas acadêmicas e livros. Obteve-se um corpus de 19 produções brasileiras que disponibilizam a tradução de 24 fontes primárias do século XVIII em música, com recorte temporal entre 2001 e 2019. Constituído de obras completas ou traduções parciais, este material contempla um escopo histórico-cultural amplo do pensamento retórico no ocidente europeu: textos publicados originalmente em língua francesa (Marais, Raguenet, J. Hotteterre, Quantz, Rousseau, Le Blanc), alemã (Mattheson, Marpurg, Quantz, C. P. E. Bach, W. A. Mozart, L. Mozart), italiana (Marcello, Tosi, Mancini) e inglesa (Geminiani). Foram investigados, também, os critérios tradutológicos adotados pelos(as) pesquisadores(as), a fim de se obter um entendimento específico do conteúdo de cada material. Embora concluído ainda parcialmente, o levantamento bibliográfico já possibilita avaliar aspectos relevantes, fomentando uma discussão acerca da retórica musical setecentista sob a ótica de um corpo intelectual que vem desenvolvendo a tradução de fontes primárias em música no contexto brasileiro.

A actio na música instrumental setecentista: nuances de tons e variedade rítmica de acordo com preceptivas de Quantz e Mattheson

Noara Paoliello — 2022-09-26

Este trabalho se concentra na investigação da noção de actio na música instrumental setecentista a partir das preceptivas de Quantz (1752) e Mattheson (1739). Nesses tratados é possível observar a relação entre a atuação do orador e do cantor/instrumentista. Segundo esses autores, o discurso – verbal ou musical - é completado pela ação, havendo certa liberdade para a representação segundo a sensibilidade e o bom gosto. Quantz descreve as qualidades esperadas no proferimento do discurso que evitam a monotonia, dentre as quais destacamos as mais úteis para a música instrumental: as nuances de tons e intensidade do som; e a variedade rítmica. A importância dessa variedade no momento da ação pode ser observada em diferentes passagens no tratado de Quantz, como quando ele menciona as notas lentas e cantábiles que intercalam as passagien dos allegros; e quando ele discorre sobre o acompanhamento do solo - que deve favorecer a liberdade do solista para ousar e variar o tempo. Mattheson também faz referência à liberdade de tempo quando escreve que o instrumentista deve assumir um estilo de canto flexível nos adágios ao invés de um tempo exato; e também quando menciona o estilo livre das fantasias. A variedade de tons (da voz ou do som) é detalhadamente indicada e exemplificada por Quantz no capítulo dedicado aos movimentos lentos, onde ele defende o uso de forte/fraco além de crescendo/decrescendo, a fim de variar o proferimento do discurso musical alternando luz e sombra – assunto também destacado por Mattheson, para quem os poemas sonoros são pinturas musicais onde a palavra é como o desenho e os sons como as cores.

O Paragone em Das Neu-eröffnete orchestre (1713) de Johann Mattheson

Stéfano Paschoal — 2022-09-26

Esta comunicação tem por objetivo a apresentação do paragone – a comparação entre pintura e música – realizada por Johann Mattheson em sua obra Das neu-eröffnete Orchestre (1713). Não obstante a obra supracitada pertencer ao século XVIII, a comparação estabelecida por ele alinha-se a0 legado clássico, referindo-se a uma tradição que surge na Antiguidade grega e chega ao século XVII, tendo como finalidade a disputa acerca da hierarquia entre as artes. Veremos que o paragone apresentado por Mattheson utiliza lugares-comuns extraídos de retóricas gregas que serviram como modelo para escritos de louvor, e que figuram em textos escolares, como os progymnasmata de Hermógenes, que tiveram ampla circulação nas escolas reformadas. Finalmente, apresentaremos, de modo resumido, os nove tópicos usados por Mattheson, ao argumentar pela superioridade da música em relação às artes plásticas.

A supressão do quinte de violon da orquestra da Ópera de Paris e suas implicações nas revisões de coros de J.-B. Lully no século XVIII

Matheus Theodorovitz Prust — 2022-09-26

Neste texto discutimos a influência dos novos cânones orquestrais da Ópera de Paris no repertório de J.-B. Lully, revisto por F. Rébel e F. Francoeur em meados de 1750-60. Centrando nossa discussão nas parties de remplissage, propomos que a definição dos modelos orquestrais dependia das práticas composicionais, e não apenas da constituição física do ensemble. Dessa forma, observamos a coexistência de modelos orquestrais em um mesmo repertório, equilibrados entre a tradição e a inovação. Por meio dos coros de Armide, de Lully (1686), revistos por Francoeur (1761), demonstramos que dentre as alterações da orquestra no século XVIII estão a reorganização das partes intermediárias, a criação de lacunas sonoras e a modificação da estrutura e sonoridade gerais.

Puritas et Perspicuitas: As virtudes da clareza e da precisão linguística na música barroca italiana

Roger Lins de Albuquerque Gomes Ribeiro — 2022-09-26

A busca por um discurso musical convincente era o objetivo dos compositores barrocos; dessa maneira, eles emularam princípios encontrados em tratados clássicos sobre retórica. Das cinco partes desses tratados, podemos destacar a Elocutio e suas quatro virtudes elocutivas. Dentre elas, a Puritas e a Perspicuitas são as menos abordadas, porém são estruturais para a construção de qualquer discurso eloquente. Tendo isso em vista, este artigo visa articular fontes primárias sobre retórica com a visão de tratados sobre música barroca, principalmente a música instrumental italiana do século XVIII.

A realização do baixo contínuo no violoncelo: possibilidades e um estudo de caso em Vivaldi

William Teixeira — 2022-09-26

O violoncelo é um instrumento íntima e reconhecidamente ligado à prática do baixo contínuo, empregado na execução das linhas escritas de baixo, enquanto instrumentos de característica harmônica realizam o contraponto notado pelas cifras. Entretanto, um considerável número de evidências aponta que ele possa ter tido um papel mais amplo na Música Barroca, podendo ocupar inclusive sozinho o lugar de instrumento do baixo contínuo nos mais diferentes contextos. Desse modo, iremos avaliar tais evidências com o intuito de descrever as visões históricas e as possibilidades para a ampliação dessa prática no instrumento, consultando também pesquisas atuais que mencionem tal questão. Em posse de tais direções metodológicas, iremos propor um estudo de caso em que tais princípios serão aplicados na realização do baixo da Sonata para violoncelo em Mi menor, RV 40, de Antonio Vivaldi.

A música em emblemas selecionados de Andrea Alciato

Leonel Maciel Filho — 2022-09-26

O objetivo deste artigo foi pesquisar, traduzir e explicar emblemas selecionados com temática musical contidos no Livro de Emblemas de Andrea Alciato, publicado em 1531. Buscamos selecionar ao menos duas imagens ilustrativas dos emblemas. Restauramos as gravuras e anotamos as fontes abaixo de cada exemplo. Optamos por uma tradução com esquema rímico tomando como base aquela realizada por Bernardino Daza Pinciano, Los Emblemas de Alciato traducidos en rhimas españolas. Lyon: Guilielmo Rovillio, 1549. Ao adaptar a tradução para o português, tivemos em mente o original latino para não causar afastamento da fonte original. Para os comentários buscamos localizar as fontes ou, ao menos, a motivação primária de Alciato para a criação dos epigramas; tecemos alguns comentários e elaboramos algumas notas explicativas. A pesquisa iconográfica e os comentários foram feitos por Carin Zwilling, e a tradução foi realizada por Leonel Maciel Filho.